皮肤是具象绘画中最严苛的考验。画布或墙面上的错误或许无人察觉，但脸部的错误会立刻暴露，哪怕观者说不清原因：我们一生都在读人的脸，这种阅读不会轻易被欺骗。
困难往往始于一个错误的观念——认为皮肤有一种颜色。循此思路在调色板上找来找去，最终只会调出一团粉红均匀的混色，看起来像塑料。皮肤是一种半透明材质。光线射入，穿过厚薄不一的层次，遇见血液、脂肪与骨骼，再以改变后的形态透出。我们所见的，是这一切的叠加，而且每一厘米都不相同。
让一幅皮肤看起来有生气，很大程度上取决于三个决策：如何运用灰色调、如何处理过渡，以及在哪里放置高光。这正是 Guillermo Lorca 在其 masterclass 中所探讨的三个核心问题，涵盖皮肤、毛发与白色动物的画法。
灰色调成就色彩
第一反应往往是加暖色——加红、加赭，直到混色饱和过度，失去真实感。具象绘画通常走的是相反的路：一个暖调之所以显得温暖，是因为它旁边有中性调的衬托。
法国化学家 Michel Eugène Chevreul 在19世纪将这一现象命名为同时对比：一种颜色会因周围环境而改变。应用于皮肤，意味着将灰色置于低饱和的粉色旁边，那粉色看起来就会比实际更鲜亮。调色板不需要更多颜色，需要的是更好的色彩邻居。
因此，一幅皮肤所含的灰色调往往比表面看起来的要多。骨骼靠近表面的地方，如额头，倾向于偏黄；血流丰富的脸颊、鼻子和耳朵偏向红色；嘴部周围和下颌则出现较冷的色调，在许多面孔上甚至接近绿色或蓝色。单独来看，没有一处显眼，但彼此配合，加以适度的灰色中和，便能塑造出一个仿佛皮下有血液流动的表面。
这一思路由来已久。约在1400年，Cennino Cennini 在其著述中说明了如何在绿土底色上调制肤色，那层绿土会透过粉色层继续发挥作用。冷色衬于暖色之下，当时带来了深度，如今依然如此。
有一个顺序很有帮助：先确定明度——即色调的明暗程度——再考虑色温。只要明度准确，形体就能成立，哪怕色彩不够精准；反之则几乎行不通。
过渡构建体积
面部没有线条，只有不断转折的平面。每一个形体从受光到背光，都要经过一段中间色调的过渡区，体积感就在这段区域中决定。
有三点值得注意：
- 过渡的宽度。 圆润的形体，如脸颊，转折缓慢，需要较宽的过渡；棱角分明的形体，如鼻梁，转折迅速，则需要较窄的过渡。
- 饱和度。 色彩往往在中间色调区域最为浓郁，恰好在进入阴影之前，而非在最亮的区域。皮肤在这里泛红，看起来最为真实。
- 边缘。 并非所有边缘都需要同样的清晰度。下颌与颈部之间一条虚化的边缘能带来空气感，也能将视线引向刻画清晰之处。
常见的错误是过度晕融。将整个表面用笔刷抹平，得到的是瓷器般的效果——工整而没有生气。皮肤有毛孔、细毛、血管和细微的不规则之处。一段画得好的过渡，近看可见笔触，在正常观看距离上则自然融合。
这里，层次的顺序至关重要。Lorca 的 masterclass 结合了油画与丙烯：打底的几层快速铺设，再施以透明薄釉，最后以丰富的肌理收尾。薄釉是涂在已干画层之上的透明薄层，光线穿透后在下方反弹再透出，色彩在颜料内部形成，而非仅仅叠压在表面。这是最接近皮肤本身光学特性的处理方式。
高光是挣来的
一处适时落下的高光，能让表面显得湿润而有生气；落得过早，或遍布整张脸，则会让皮肤变成蜡质。
高光是光源在皮肤油脂和水分上的直接反射。因此它出现在特定位置：鼻尖、下唇、眼睑、前额的弧面、指关节。它的形状取决于所在平面的形状，色彩则接近光源的颜色。它很少是纯白，尽管在对比之下看起来如此。
三个标准有助于做出判断：
- 少于所见。 面部有很多闪光点，但绘画只需要几处，以一个主要高光统领其余。
- 置于最后。 高光是最后的决策，落在一个已经完成的形体之上，而不是用来挽救一个薄弱的形体。
- 使用厚料。 油画有一个悠久的传统：将浓稠的颜料留给亮部，让暗部保持薄透。这种肌理差异使光线看起来从画面中透出，Rembrandt 在其肖像中将这一做法发挥到了极致。
同样的原则适用于毛发和白色毛皮。用白色画出来的白色动物是平的；白色要用灰色来构建，高光之所以有效，是因为其余一切都在它之下。
一门关于取舍的手艺
描绘皮肤，归根结底，是决定什么不画。没有人逐一复制每个毛孔。你选择支撑色彩的灰色调，选择每段过渡的宽度，选择光线可以闪耀的少数几处。正是这种取舍，解释了为何面对同一个模特的两位画家，能画出两张截然不同却同样生动的脸。
这些决策，看着别人做出来，比读文章更容易理解。在 具象绘画与魔幻现实主义 masterclass 中，Guillermo Lorca 展示了他如何思考、规划并构建一幅作品。技法可以用文章解释，眼光则需要在观看中磨砺。
